Cisne negro — La obsesión que nos miró desde el espejo (y nos guiñó un ojo)

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El Lincoln Center nunca había olido tanto a sudor, sangre y perfume barato. Darren Aronofsky, ese tipo que convierte el sufrimiento humano en arte con la misma delicadeza con la que un cirujano usa un martillo, decidió que el ballet merecía una inmersión en el infierno. Y vaya si lo logró. Cisne negro no es solo una película sobre danza; es un thriller psicológico disfrazado de tutú, un viaje alucinógeno donde los espejos mienten más que un político en campaña y las uñas se convierten en armas de destrucción masiva. Estrenada en 2010, la cinta llegó en un momento en que Hollywood aún creía que el cine de autor podía ser rentable (qué tiempos aquellos), y Fox Searchlight, benditos sean, apostó por un proyecto que olía a pesadilla y a Oscar desde el primer fotograma. No se equivocaron: Portman se llevó la estatuilla, pero la película se quedó con algo más valioso: nuestra cordura colectiva.

El rodaje fue, cómo no, un circo de proporciones épicas. Portman, que ya había demostrado en V de Vendetta que podía patear traseros con elegancia, se sometió a un entrenamiento de ballet tan intenso que casi acaba en el hospital. Ocho horas diarias durante un año, hasta que sus pies parecían salidos de un cuadro de Goya. Pero el sufrimiento físico fue solo el aperitivo: Aronofsky, ese maestro del sadismo cinematográfico, la empujó a límites emocionales que harían llorar a un psicópata. Las escenas de las alucinaciones, donde Nina se arranca la piel a tiras o ve su reflejo moverse solo, no fueron trucos de CGI baratos. Fueron el resultado de una actriz al borde del colapso, un director obsesionado con la perfección y un equipo técnico que, probablemente, necesitaba terapia después de cada jornada. Y luego está Mila Kunis, que llegó al set con la gracia de una bailarina profesional (sí, también se entrenó como una posesa) y la actitud de quien sabe que está a punto de robarle la película a una ganadora del Oscar. Spoiler: lo logró.

El guion de Mark Heyman, basado en una idea original de Aronofsky y sus colaboradores, es una obra maestra de la ambigüedad. ¿Está Nina perdiendo la cabeza o el mundo a su alrededor es realmente un nido de víboras con tutús? La respuesta, como en las mejores películas de terror, es que da igual. Lo importante es el viaje, y Cisne negro te agarra de la mano (o del cuello) y no te suelta hasta que has visto cada grieta en la psique de su protagonista. La relación con su madre, interpretada por Barbara Hershey como si fuera la bruja de Blancanieves pero con un apartamento en Manhattan, es tan tóxica que hace que las madres de Psicosis y Carrie parezcan figuras maternas ejemplares. Y Vincent Cassel, en el papel del director de la compañía, es el villano perfecto: un manipulador con sonrisa de tiburón que sabe exactamente qué botones tocar para llevar a Nina al límite. O más allá.

La película no sería ni la mitad de efectiva sin el trabajo técnico, que es, sencillamente, impecable. Matthew Libatique, el director de fotografía y cómplice habitual de Aronofsky, convierte Nueva York en un laberinto claustrofóbico donde los pasillos del Lincoln Center parecen interminables y los camerinos son jaulas de oro. La paleta de colores, dominada por blancos enfermizos y negros profundos como pozos, refleja la dualidad de Nina: la pureza del cisne blanco y la oscuridad del cisne negro, dos caras de una misma moneda que se va oxidando a medida que avanza la trama. Y el montaje, obra de Andrew Weisblum, es tan frenético en las escenas de baile que te deja sin aliento, como si estuvieras en el escenario con Portman, sudando, sangrando y preguntándote cómo demonios has llegado hasta ahí.

Dirección y puesta en escena: El ballet de los horrores

Aronofsky no dirige: disecciona. Cada plano de Cisne negro está pensado para incomodar, para hacerte sentir que estás invadiendo un espacio sagrado (o maldito). Las escenas de baile, filmadas con cámaras en mano que se mueven como si estuvieran borrachas, te meten en la piel de Nina: el vértigo, la presión, el miedo a caer. Pero donde el director realmente brilla es en las secuencias de las alucinaciones. Esa escena en la que Nina ve cómo su reflejo en el espejo le sonríe mientras ella llora es pura magia negra cinematográfica. No hay efectos digitales, solo un truco de cámara y la actuación de Portman, que te hace dudar de lo que estás viendo. ¿Es real o es el principio del fin?

El uso del sonido es otro de los puntos fuertes. Clint Mansell, el compositor de cabecera de Aronofsky, firma una banda sonora que mezcla lo etéreo con lo ominoso, como si Tchaikovsky y John Carpenter hubieran tenido un hijo bastardo. Los violines se clavan en tu cerebro como agujas, y los silbidos agudos que acompañan las escenas de transformación de Nina son tan perturbadores que te harán mirar por encima del hombro en el metro. Y luego está el silencio. Esos momentos en los que la película se queda muda, solo con la respiración agitada de Portman, son los más aterradores. Porque el silencio, en Cisne negro, siempre precede a la tormenta.

Actuaciones: Cuando el método se convierte en locura

Natalie Portman no actúa en Cisne negro: se desangra. Su Nina es una criatura frágil y obsesiva, una mujer que ha pasado toda su vida tratando de ser perfecta y que, al final, descubre que la perfección es un monstruo que se alimenta de su propia carne. Portman no solo baila; sufre, se retuerce, grita y llora con una intensidad que roza lo insoportable. Hay una escena en particular, esa en la que Nina se arranca una tira de piel de la espalda mientras su madre la observa con una sonrisa de satisfacción, que es tan visceral que te dan ganas de vomitar. Y no es solo el físico: Portman transmite el agotamiento mental de su personaje con una naturalidad que asusta. Cuando al final de la película, con los brazos ensangrentados y la mirada perdida, susurra "Fue perfecto", no sabes si reír o llorar. O ambas cosas.

Pero Cisne negro no sería lo mismo sin Mila Kunis. Su Lily es el contrapunto perfecto a la Nina de Portman: desinhibida, sensual, libre. Kunis, que se entrenó como una profesional para el papel, baila con una gracia que hace que te preguntes por qué demonios no es primera bailarina del Bolshoi. Pero donde realmente brilla es en las escenas con Portman, especialmente en ese momento en el que las dos se besan y Nina ve, por un segundo, el rostro de Lily transformarse en el suyo. Es un plano breve, casi subliminal, pero es uno de esos detalles que hacen que la película pase de ser buena a ser memorable. Y luego está Vincent Cassel, que interpreta al director de la compañía como si fuera un cruce entre un profesor de ballet y un depredador sexual. Su escena con Portman en el camerino, donde le dice que para interpretar al cisne negro tiene que "follar con el miedo", es tan incómoda que te dan ganas de taparte los ojos. Pero no puedes. Porque, como Nina, estás atrapado.

Lo mejor

• La actuación de Natalie Portman: Una performance física y emocional que te deja sin aliento. Portman no solo baila; sufre, sangra y te arrastra con ella a los abismos de la obsesión. El Oscar fue merecido, pero se queda corto.

• La fotografía de Matthew Libatique: Nueva York nunca había parecido tan claustrofóbica. Los blancos enfermizos y los negros profundos crean una atmósfera de pesadilla que refleja a la perfección la dualidad de Nina.

• El diseño de sonido y la banda sonora: Clint Mansell firma una partitura que es pura magia negra. Los violines se clavan en tu cerebro, y los silbidos agudos de las escenas de transformación son tan perturbadores que te perseguirán en sueños.

• La química entre Portman y Kunis: Dos actrices en estado de gracia. La tensión sexual y emocional entre Nina y Lily es el corazón palpitante de la película, y su escena de beso es uno de esos momentos que definen un film.

• El montaje de Andrew Weisblum: Las escenas de baile son tan frenéticas que te dejan sin aliento. Weisblum logra que sientas el vértigo y la presión de Nina, como si estuvieras en el escenario con ella.

Lo peor

• El personaje de la madre (Barbara Hershey): Hershey hace lo que puede con el material, pero el guion la convierte en una caricatura de madre controladora. Es tan exagerada que en algunos momentos roza lo ridículo, como cuando le corta las uñas a su hija adulta como si fuera una niña de cinco años.

Algunos clichés del thriller psicológico: La película no escapa a ciertos tópicos del género, como las alucinaciones con espejos o la escena del baño sangriento. Son recursos efectivos, pero ya los hemos visto antes en películas como Repulsión o El resplandor*.

• El final: Sin spoilers, digamos que el desenlace es tan simbólico que puede resultar pretencioso. Aronofsky se pasa de ambicioso y, en lugar de cerrar con un golpe de efecto, opta por un mensaje que suena a autoayuda barata: "La perfección duele, pero vale la pena". Vale, Darren, pero ¿no podías haber sido un poco más sutil?

• El personaje de Vincent Cassel: Cassel es un actor excelente, pero su personaje, el director de la compañía, es un estereotipo andante. Un manipulador con sonrisa de tiburón que parece salido de un manual de villanos de los 90. Funciona dentro de la trama, pero no deja de ser un cliché.

El Veredicto de Claqueta Ácida

Cisne negro es una de esas películas que te dejan marcado. No es perfecta —tiene sus momentos de pretensión y algunos clichés que chirrían—, pero es tan intensa, tan visceral, que es imposible no rendirse a su hechizo. Darren Aronofsky convierte el ballet en un thriller psicológico de uñas afiladas, y Natalie Portman nos regala una actuación que duele mirar y es imposible olvidar. No es una película para todos: si no te gustan los dramas oscuros, las alucinaciones perturbadoras o las escenas de sangre con tutú, mejor quédate en casa viendo Dirty Dancing. Pero si lo que buscas es una experiencia cinematográfica que te deje sin aliento, con los nervios a flor de piel y la sensación de haber presenciado algo único, Cisne negro es tu película. Eso sí, después de verla, no te mires mucho al espejo. Nunca se sabe qué puede devolverte la mirada. 💀

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