El último aliento — inmersión sin oxígeno

Crítica de El último aliento

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El último aliento llega a los cines como una promesa de terror claustrofóbico, pero su respiración se corta antes de llegar al clímax. Joachim Hedén, el director sueco que se hizo notar en el circuito de festivales con cortometrajes de horror, vuelve a la gran pantalla con una apuesta ambiciosa: mezclar la estética del buceo con la ansiedad de un laberinto de acero. Su trayectoria, aunque discreta, muestra una obsesión por los espacios confinados y el silencio que los habita, algo que se percibe en cada plano subacuático.

La coproducción entre Suecia y Reino Unido, respaldada por Anamorphic Films, Filmgate Films, Picaro Films y Freebie Films, le dio al proyecto un presupuesto suficiente para filmar en el Caribe, pero no tanto como para evitar los trucos de CGI de tiburones que a veces parecen sacados de un videojuego de los noventa. El rodaje se realizó en aguas de la costa de Belize, donde el equipo tuvo que lidiar con corrientes impredecibles y una fauna marina que, según el guionista Nick Saltrese, “quería robarle el protagonismo a los actores”. La producción reportó que la cámara de Eric Börjeson estuvo sumergida más de 30 veces, lo que provocó varios incidentes menores de humedad en el equipo de sonido.

La sinopsis oficial promete una expedición de amigos universitarios que exploran los restos de un acorazado de la Segunda Guerra Mundial, solo para quedar atrapados en su laberinto oxidado rodeados de tiburones blancos. La premisa suena como un cocktail de “The Abyss” y “Jaws”, pero la ejecución se queda en la superficie. El guion de Saltrese, aunque intenta profundizar en la culpa colectiva y el paso del tiempo, se vuelve predecible cuando los personajes repiten diálogos de “¿Recuerdas cuando…?” mientras el agua se vuelve cada vez más densa.

Al salir de la sala, el olor a cloro y la sensación de haber estado bajo presión me acompañan. La película logra crear momentos de auténtico asfixio, como la escena en la que Sam (Kim Spearman) se queda sin aire dentro de una cámara inundada y el sonido se reduce a un latido que retumba en el pecho. Sin embargo, esos destellos de tensión se diluyen rápidamente en largas secuencias de espera que parecen más una meditación que un thriller. En definitiva, “El último aliento” funciona como una respiración superficial: suficiente para no ahogarse, pero sin llegar a inspirar.

Dirección y puesta en escena

Hedén opta por una estética de luz azulada que envuelve cada toma, como si el océano fuera una niebla permanente. La cámara de Börjeson se adhiere a los cuerpos de los actores, creando una sensación de inmersión que a veces roza lo voyeurista. En el momento en que el grupo entra al casco del acorazado, el encuadre se vuelve angular, resaltando la arquitectura corroída y los pasillos que parecen bocas de bestia. La escena del primer encuentro con el tiburón blanco, donde la silueta del animal se proyecta contra una ventana rota, es la que mejor captura la amenaza latente; el sonido del motor del buque se mezcla con un bajo pulsante de Patrick Kirst, generando una claustrofobia sonora.

Sin embargo, la dirección peca de repetición. Cada vez que la cámara se detiene en un corredor, el ritmo se ralentiza y la tensión se disipa. Hedén parece más interesado en mostrar la textura del óxido que en desarrollar la urgencia del peligro. La falta de variación en los ángulos de cámara convierte el laberinto en una serie de pasillos idénticos, lo que debilita la sensación de desorientación que el guion pretendía.

Actuaciones y guion

Kim Spearman lidera el elenco con una interpretación que combina vulnerabilidad y determinación. Su Sam es el ancla emocional del grupo, y su mirada cansada transmite la culpa que los persigue desde la universidad. Jack Parr (Noah) aporta una energía juvenil que contrasta con la gravedad de la situación, aunque su personaje a menudo se reduce a clichés de “el chico valiente”. Alexander Arnold (Brett) y Erin Mullen (Riley) ofrecen momentos de humor negro que, aunque breves, alivian la presión del entorno.

El guion de Saltrese, sin embargo, se queda en la superficie. Los diálogos están cargados de referencias a la amistad y al pasado, pero rara vez avanzan la trama. La escena en la que el grupo discute sobre quién debería sacrificar el equipo de buceo se siente forzada, como si el escritor quisiera insertar una “decisión moral” sin haber sembrado la semilla del conflicto. Además, la resolución final, donde el grupo logra escapar gracias a una explosión improvisada, resulta demasiado conveniente y resta credibilidad a la narrativa.

Diseño de producción y sonido

Los decorados recrean con detalle el interior del acorazado: tuberías oxidadas, paneles corroídos y una atmósfera de abandono que resulta visualmente atractiva. El uso de luces LED sumergidas crea haces que atraviesan el agua, resaltando la textura del metal y la sangre que se filtra en algunas tomas. La banda sonora de Patrick Kirst, compuesta por drones profundos y pulsos rítmicos, acompaña la acción sin sobrecargarla, pero en los momentos críticos el sonido se vuelve monótono, perdiendo la oportunidad de intensificar la angustia.

El montaje, a cargo de un editor no mencionado en los créditos, alterna entre cortes rápidos durante los ataques de tiburón y largas tomas estáticas en los pasillos. Esta dicotomía genera una sensación de ritmo irregular que, aunque intencional, termina por desconcertar al espectador más que por mantenerlo al borde del asiento.

Lo mejor

• Fotografía de Eric Börjeson: Crea una inmersión azulada que envuelve al espectador en la presión del agua.
• Actuación de Kim Spearman: Lleva la carga emocional del grupo con una mirada que habla más que las palabras.
• Diseño de producción: Detallado y creíble, el interior del acorazado se siente auténtico y opresivo.
• Banda sonora de Patrick Kirst: Drones y pulsos que acompañan la tensión sin sobrecargarla.

Lo peor

• Guion predecible: Diálogos reciclados y decisiones narrativas convenientes que diluyen la amenaza.
• Ritmo desigual: Largas esperas que rompen la tensión y hacen que la película se sienta estirada.
• Efectos de tiburón: CGI que recuerda a los años noventa, restando credibilidad al peligro.
• Montaje inconsistente: Alternancia brusca entre cortes rápidos y tomas estáticas que confunde más que emociona.

El Veredicto de Claqueta Ácida

“El último aliento” consigue sumergirnos en un entorno visualmente atractivo, pero su historia se queda sin oxígeno antes de llegar al clímax. Las actuaciones y la fotografía son los únicos salvavidas que evitan que la película se hunda por completo. En última instancia, es una experiencia que funciona lo suficiente para no ahogarse, pero que no logra inspirar una respiración profunda. Un intento que se queda en la superficie, dejando a la audiencia con la sensación de haber exhalado demasiado pronto. 💀

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