Depredador Dominante — Cuando el duelo se convierte en un plano secuencia de supervivencia

Crítica de Depredador Dominante

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El cine de caza ha sido siempre un subgénero tan predecible como un episodio de Supervivientes: un grupo de humanos, un psicópata con máscara y un bosque que parece sacado de un catálogo de IKEA. Pero Depredador Dominante (Apex, para los puristas) llega con la intención de romper el molde, y lo hace con la elegancia de un toro en una cacharrería islandesa. Baltasar Kormákur, ese director que oscila entre el blockbuster (Everest, 24: Live Another Day) y el cine de autor con ínfulas (The Deep, Contraband), se enfrenta aquí a un material que, sobre el papel, huele a testosterona y clichés. Sin embargo, hay algo en su puesta en escena que recuerda más a los planos secuencia de Béla Tarr que a los tiroteos de The Expendables. ¿El resultado? Una película que funciona, aunque no siempre como debería, y que demuestra que el género aún tiene espacio para la inteligencia —o al menos para la pretensión inteligente— entre tanto disparo y grito ahogado.

El contexto de Apex es tan fascinante como su premisa. Kormákur, un director que ha demostrado una y otra vez que sabe manejar el suspense (véase The Deep, donde un pescador islandés lucha contra el mar y contra sí mismo en un ejercicio de minimalismo cinematográfico), se adentra aquí en un territorio más comercial, pero sin perder del todo su ADN. La película se rodó en Australia, un escenario que, aunque no es nuevo para el género (basta recordar Wolf Creek o The Invisible Man), aquí adquiere un protagonismo casi obsesivo. Lawrence Sher, el director de fotografía que ya trabajó con Kormákur en Everest, convierte los paisajes australianos en un personaje más: la luz dorada del atardecer filtrándose entre los árboles, los tonos terrosos que contrastan con el verde enfermizo de la vegetación, y esos planos generales que parecen sacados de un documental de la BBC sobre depredadores. Pero lo más interesante no es el qué, sino el cómo. Kormákur utiliza el espacio como un tablero de ajedrez, y cada movimiento de la cámara —ya sea un travelling lateral o un plano secuencia que sigue a Charlize Theron mientras corre entre los árboles— está calculado para generar tensión. No es casualidad que la película recuerde, en ciertos momentos, a The Revenant: hay una obsesión por el realismo sucio, por la sangre que mancha la ropa y por el sudor que empaña la lente. Pero, a diferencia de Alejandro G. Iñárritu, Kormákur no se pierde en el virtuosismo técnico. Aquí, el plano secuencia no es un fin en sí mismo, sino una herramienta para sumergir al espectador en la desesperación de la protagonista.

Y hablando de la protagonista, Charlize Theron vuelve a demostrar por qué es una de las actrices más infravaloradas del cine de acción. No es la primera vez que se enfrenta a un rol físico (basta recordar Mad Max: Fury Road o Atomic Blonde), pero en Apex hay algo más que músculos y patadas voladoras. Theron interpreta a una mujer en duelo —literalmente, porque el guion insiste en recordarnos que su personaje arrastra una pérdida reciente—, y lo hace con una contención que contrasta con la violencia que la rodea. No es la típica heroína invencible: tropieza, duda, llora y, en un momento especialmente brutal, se arrastra por el suelo como un animal herido. Es en estos detalles donde la película brilla, porque Kormákur entiende que el suspense no se construye solo con persecuciones y disparos, sino con el silencio previo al caos. Eso sí, el guion de Jeremy Robbins no siempre está a la altura. Hay diálogos que suenan forzados, como si alguien hubiera escrito frases profundas en una servilleta de bar, y un villano (interpretado por Zachary Garred) que, aunque cumple su función, carece de la profundidad necesaria para ser algo más que un cliché con cuchillo. Pero incluso en sus peores momentos, Apex logra mantener el interés gracias a su ritmo implacable y a esa sensación de que, en cualquier momento, todo puede irse al garete.

El reparto secundario cumple, pero sin destacar especialmente. Taron Egerton, que ya demostró su valía en Rocketman y Kingsman, aquí se limita a ser el compañero de Theron, un papel que podría haber interpretado cualquier actor de medio pelo. Eric Bana, por su parte, aparece en un rol tan breve que parece un cameo de lujo, y Caitlin Stasey y Bessie Holland tienen poco más que hacer que gritar y correr. Es una lástima, porque el material tenía potencial para desarrollar más a estos personajes, pero el guion parece más interesado en la acción que en la construcción de personajes. Aun así, hay un momento en el que Egerton y Theron comparten un plano que recuerda a las películas de buddy cops de los 80, pero con una química que evita caer en lo cursi. Es un respiro en medio del caos, un recordatorio de que, incluso en el cine de acción, los personajes pueden ser algo más que carne de cañón.

Dirección y puesta en escena: El encuadre como arma

Baltasar Kormákur no es un director que se esconda detrás de la cámara. En Apex, cada plano parece pensado para desestabilizar al espectador: ya sea con un encuadre cerrado que nos obliga a sentir la claustrofobia de la protagonista, o con un plano general que nos recuerda lo pequeños que somos frente a la naturaleza. Hay una escena en particular, un plano secuencia que sigue a Theron mientras huye de su depredador, que es pura magia cinematográfica. La cámara no se limita a seguirla: respira con ella, se detiene cuando ella se detiene, y acelera cuando ella acelera. No es un alarde técnico vacío, como esos planos secuencia de 1917 que parecen más un ejercicio de ego que de narrativa. Aquí, el movimiento de cámara tiene un propósito: sumergirnos en la experiencia de la protagonista, hacer que sintamos cada rama que le azota la cara, cada piedra que le corta los pies. Kormákur demuestra que el suspense no se construye solo con música estridente y cortes rápidos, sino con el silencio y la anticipación.

Pero no todo es perfecto. Hay momentos en los que la película parece perderse en su propia ambición. El villano, por ejemplo, es un personaje tan arquetípico que cuesta tomárselo en serio. Garred hace lo que puede con el material que tiene, pero su interpretación oscila entre lo amenazante y lo ridículo, como si estuviera en una película completamente distinta. Además, el guion insiste en recordarnos una y otra vez que Theron está de luto, como si temiera que el espectador olvidara el trauma que la impulsa a adentrarse en el bosque. Es un recurso narrativo que funciona al principio, pero que termina resultando repetitivo, como un disco rayado. Afortunadamente, Kormákur logra compensar estos fallos con una dirección de actores impecable. Theron, en particular, está soberbia, y hay un momento en el que su personaje se quita la camisa para vendarse una herida que es tan crudo y realista que duele. No es un momento de glamour, sino de supervivencia, y eso es lo que hace que la película conecte.

Apartado técnico: La naturaleza como personaje

Lawrence Sher, el director de fotografía, ya había demostrado su talento en películas como Joker y The Hangover, pero en Apex lleva su trabajo a otro nivel. Los paisajes australianos no son un simple telón de fondo: son un personaje más, casi un antagonista. Sher utiliza una paleta de colores terrosos y verdes enfermizos que contrastan con la piel pálida de Theron, creando una imagen que es a la vez hermosa y perturbadora. Hay un plano en el que la protagonista se refleja en un charco de agua turbia que parece sacado de un cuadro de Caravaggio: la luz se filtra entre los árboles, creando un juego de sombras y luces que recuerda a los claroscuros del Barroco. Pero lo más impresionante es cómo Sher logra transmitir la textura del bosque: las hojas crujen bajo los pies, la niebla se enreda entre los árboles, y el viento parece susurrar amenazas en cada rincón. No es solo una cuestión de estética, sino de inmersión. El espectador no está viendo una película: está viviendo una pesadilla.

El diseño de sonido, por su parte, es otro de los puntos fuertes de la película. No hay música en los momentos de tensión, solo el sonido ambiente: el crujido de las ramas, el viento silbando entre los árboles, y el jadeo de Theron mientras corre. Es un enfoque minimalista que recuerda al de The Blair Witch Project, pero sin caer en lo amateur. El silencio se convierte en un personaje más, y cuando finalmente estalla la violencia, el contraste es tan brutal que duele. El montaje, a cargo de Robert Duffy, es otro acierto. Los cortes son precisos, pero nunca llaman la atención sobre sí mismos. Hay una escena en la que Theron y Egerton discuten mientras caminan por el bosque que está montada como un diálogo de una película de Rohmer: los planos son largos, los cortes son sutiles, y la tensión se construye poco a poco, como un veneno que se filtra en la sangre.

Lo mejor

• La actuación de Charlize Theron: No es solo que corra, dispare y luche como una diosa del Olimpo moderno. Es que actúa. Cada mirada, cada gesto, cada lágrima está calculada para transmitir el dolor y la determinación de su personaje. Es una interpretación física y emocional que eleva la película por encima del género.

• La fotografía de Lawrence Sher: Los paisajes australianos no son un decorado, sino un personaje más. Sher convierte cada plano en una obra de arte, con una paleta de colores que oscila entre lo hermoso y lo perturbador. El bosque nunca había parecido tan amenazante.

• El diseño de sonido: La ausencia de música en los momentos clave es un acierto. El silencio se convierte en un arma, y cuando estalla la violencia, el contraste es brutal. El sonido ambiente —el crujido de las hojas, el viento, los jadeos— es tan realista que duele.

• La dirección de Kormákur: No es un director que se esconda detrás de la cámara. Cada plano, cada movimiento, está pensado para sumergir al espectador en la experiencia de la protagonista. El plano secuencia de la huida es pura magia cinematográfica.

Lo peor

El guion de Jeremy Robbins: Tiene momentos brillantes, pero también diálogos forzados y un villano que parece sacado de un episodio de CSI*. La insistencia en el duelo de Theron termina resultando repetitiva, como un disco rayado.

• El reparto secundario: Taron Egerton y Eric Bana cumplen, pero sus personajes están poco desarrollados. Caitlin Stasey y Bessie Holland tienen poco más que hacer que gritar y correr. Es una lástima, porque el material tenía potencial para más.

• El villano: Zachary Garred hace lo que puede, pero su personaje es tan arquetípico que cuesta tomárselo en serio. Oscila entre lo amenazante y lo ridículo, como si estuviera en una película completamente distinta.

• El ritmo en el segundo acto: La película pierde fuelle en la mitad, cuando el guion parece más interesado en la acción que en el desarrollo de los personajes. Afortunadamente, el tercer acto recupera la tensión inicial.

El Veredicto de Claqueta Ácida

Depredador Dominante no es una obra maestra, pero es una de esas películas que funcionan a pesar de sus fallos. Baltasar Kormákur demuestra que el cine de acción aún tiene espacio para la inteligencia, aunque sea a trompicones. Charlize Theron está soberbia, la fotografía es una maravilla, y el diseño de sonido es tan brutal que duele. El guion cojea, el villano es un cliché andante, y el reparto secundario merecía más, pero incluso con todo eso, Apex logra transmitir esa sensación de desesperación y supervivencia que el género suele olvidar. No es la película que cambiará el cine, pero es un recordatorio de que, a veces, el encuadre relativo puede ser más letal que cualquier cuchillo. 💀

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