Resten descansa en paz — El duelo nórdico y la sobrecogedora resurrección del silencio

Resten descansa en paz (2024): Cuando los muertos regresan para recordarnos que el infierno no son ellos, sino nuestra incapacidad de dejarlos ir

El subgénero zombi llevaba años arrastrándose por el cementerio del cine como un cadáver mal enterrado, apestando a CGI barato, tramas de supervivencia calcadas de The Walking Dead y ese hedor rancio de franquicias que se niegan a morir (aunque, irónicamente, su premisa sea precisamente esa). Pero he aquí que el cine nórdico, ese rincón del mundo donde el sol brilla como una lámpara de interrogatorio y la melancolía es tan densa que podría cortarse con un cuchillo de pescado, decide resucitarlo. Y no con un jump scare cutre o un apocalipsis lleno de testosterona, sino con Resten descansa en paz, la ópera prima de Thea Hvistendahl, una película que convierte el mito del muerto viviente en una elegía fúnebre sobre el dolor de soltar, el egoísmo de la esperanza y la crueldad de un universo que, a veces, parece burlarse de nosotros dándonos exactamente lo que pedimos… pero no como lo queríamos.

Basada en la novela homónima de John Ajvide Lindqvist —el mismo autor que nos regaló Déjame entrar (2008), esa joya sueca que demostró que el vampirismo podía ser una metáfora desgarradora sobre la soledad infantil—, Resten descansa en paz no es una película de zombis al uso. Aquí no hay hordas de infectados corriendo como pollos descabezados, ni héroes musculosos blandiendo bates de béisbol, ni siquiera un gobierno malvado que oculta la verdad. No. Lo que Hvistendahl nos ofrece es un estudio clínico y desolador sobre el duelo, filmado con la precisión de un forense y la sensibilidad de un poeta que ha visto demasiado.

El milagro inútil: cuando la resurrección es la peor de las maldiciones

La premisa es tan simple como genial: tras un pico de tensión electromagnética inexplicable (un deus ex machina tan elegante como necesario, porque, seamos honestos, en el cine nórdico no hay lugar para explicaciones científicas rimbombantes), los recién fallecidos de Oslo comienzan a despertar. Pero estos no son los zombis a los que Hollywood nos tiene acostumbrados. No gruñen, no tienen hambre de cerebros, no propagan virus. Son cáscaras vacías, cuerpos que se mueven con la torpeza de un sonámbulo, rostros demacrados, piel grisácea y miradas perdidas que no transmiten nada. No son una amenaza física, sino una pesadilla metafísica: la materialización de la negación, el espejo en el que los vivos se ven obligados a confrontar su propia incapacidad para aceptar la pérdida.

Hvistendahl estructura la película en torno a tres familias, cada una sumida en una etapa distinta del duelo, como si de un manual de psicología se tratara:

1. Anna (Renate Reinsve) y su padre (Bjørn Sundquist): Su hijo pequeño ha muerto en un accidente doméstico. Cuando el niño regresa, Anna se aferra a él como si fuera un milagro, ignorando —o fingiendo ignorar— que ese pequeño cuerpo que ahora se balancea en el columpio del parque no es su hijo, sino un cascarón sin alma. La escena en la que Anna intenta darle de comer, con una paciencia desesperada, es de una crueldad tan sutil que duele más que cualquier escena de violencia explícita. El horror no está en que el niño no coma, sino en que Anna se niegue a verlo.

2. La anciana viuda (Bente Børsum) y su esposa (Bahar Pars): Aquí, el enfoque es aún más minimalista. La esposa regresa a casa tras su funeral, camina por el pasillo como un autómata y se sienta en su sillón favorito. La viuda, en lugar de gritar o huir, se limita a observar, a esperar, a preguntarse cuánto tiempo podrá fingir que esto es normal. Hay una secuencia en la que ambas comparten el sofá en silencio, con la televisión encendida de fondo, que es tan incómoda que uno siente la necesidad de apartar la mirada. No hay monstruos aquí, solo la cruda realidad de que el amor, a veces, es una prisión.

3. El humorista en crisis (Anders Danielsen Lie) y su mujer: Él es un hombre roto, un tipo que vive de chistes malos y noches de borrachera. Cuando su esposaresa tras un accidente de tráfico, su reacción no es de alivio, sino de rabia contenida, de frustración por no poder gritarle al universo que esto no es justo, que él no pidió este "regalo". Hay una escena en la que la esposa, con la mitad del cráneo hundido, intenta abrazarlo, y él se queda paralizado, como si ese gesto de afecto fuera lo más aterrador que ha presenciado en su vida. Porque lo es.

Lo fascinante de Resten descansa en paz es que el verdadero terror no está en los muertos, sino en los vivos. Los zombis de Hvistendahl no son una amenaza externa, sino un espejo que refleja la cobardía, el egoísmo y la desesperación de quienes se niegan a aceptar la realidad. El horror no es que los muertos vuelvan, sino que los vivos se aferren a ellos como náufragos a un trozo de madera podrido.

La dirección: cuando el silencio es más elocuente que mil gritos

Thea Hvistendahl debuta con una seguridad que muchos directores consagrados envidiarían. Su puesta en escena es de un minimalismo sobrecogedor, casi bergmaniano en su capacidad para transmitir emociones a través de lo no dicho. Junto a su director de fotografía, Pål Ulvik Rokseth, construye una Oslo que parece sacada de un sueño febril: luz fría y azulada, interiores claustrofóbicos, planos fijos que se alargan hasta lo insoportable, como si el tiempo mismo se hubiera detenido.

Hay una secuencia en particular que resume el genio de Hvistendahl: el regreso del hijo de Anna. El niño entra en casa, camina hacia su madre con pasos torpes y se detiene frente a ella. No hay música, no hay diálogos, solo el sonido de su respiración entrecortada y el crujido de la madera bajo sus pies. Anna lo abraza, y durante unos segundos interminables, la cámara se queda fija en sus rostros, capturando cada microexpresión de dolor, esperanza y negación. Es una escena que duele porque es real, porque todos hemos sentido alguna vez ese impulso de aferrarnos a algo —o a alguien— que ya no está.

El montaje, a cargo de Silje Nordseth, es otro de los puntos fuertes de la película. No hay cortes bruscos, no hay jump scares baratos, solo un ritmo pausado que obliga al espectador a sumergirse en la atmósfera opresiva de la historia. Algunos podrían tacharlo de lento, pero es una lentitud deliberada, casi litúrgica. Hvistendahl no tiene prisa por contarnos nada porque el duelo, al fin y al cabo, tampoco la tiene.

La banda sonora, compuesta por Ola Fløttum (colaborador habitual de Joachim Trier), es otro acierto. No hay orquestaciones grandilocuentes, solo notas aisladas de piano y cuerdas que suenan como suspiros. El diseño de sonido, por su parte, es tan meticuloso que uno puede escuchar el roce de la ropa contra la piel de los muertos, el crujido de sus articulaciones, el silencio incómodo que se instala entre los personajes. Es un recordatorio constante de que, en esta película, el horror no se grita: se susurra.

Las actuaciones: rostros que lo dicen todo sin abrir la boca

Si hay algo que eleva Resten descansa en paz por encima del resto de películas de su género es, sin duda, el trabajo actoral. Y en este apartado, Renate Reinsve se lleva la palma con una interpretación que es pura alquimia de dolor y contención.

Reinsve, conocida por su papel en La peor persona del mundo (2021), demuestra una vez más que es una de las actrices más fascinantes del cine contemporáneo. Su rostro es un mapa del desgarro maternal: en una escena, sonríe con una alegría forzada mientras su hijo zombi la mira con ojos vacíos; en otra, sus manos tiemblan mientras intenta peinarlo, como si ese gesto cotidiano fuera lo único que la mantiene cuerda. No necesita gritar, no necesita llorar: su dolor es tan palpable que uno siente la necesidad de apartar la mirada.

Anders Danielsen Lie, por su parte, ofrece una actuación igualmente memorable. Su personaje, el humorista en crisis, es un hombre al borde del abismo, alguien que usa el sarcasmo como escudo pero que, en el fondo, está tan roto como los cadáveres que lo rodean. Hay una escena en la que intenta hacer reír a su esposa zombi con un chiste malo, y el silencio que sigue es tan incómodo que uno casi puede sentir su vergüenza.

El resto del reparto no se queda atrás. Bjørn Sundquist, Bente Børsum y Bahar Pars ofrecen interpretaciones contenidas pero devastadoras, especialmente en las escenas en las que sus personajes se ven obligados a interactuar con sus seres queridos resucitados. No hay histrionismo, no hay exageraciones: solo una tristeza tan profunda que parece emanar de la pantalla.

Lo mejor

• La atmósfera melancólica: Una puesta en escena sobria e invernal que dota al mito zombi de una poesía trágica y existencial. Hvistendahl convierte el terror en un poema funerario, y vaya si lo consigue.
• Renate Reinsve: Su rostro es un lienzo donde se pinta el dolor más íntimo. Si el duelo tuviera una cara, sería la suya.

Lo peor

• La desconexión formal de las historias: Las tres tramas avanzan en paralelo sin llegar a entrelazarse del todo. Es como ver tres cortometrajes excelentes que, por desgracia, no terminan de formar un todo coherente.

El Veredicto de Claqueta Ácida (8.2/10)

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