El despertar — La infancia como coartada en el cine de Jaime Osorio Márquez

Crítica de El despertar

La cartografía del cine latinoamericano contemporáneo insiste con tozudez en revisitar los rincones más agrestes de su geografía bajo la premisa indiscutible de que el sufrimiento rural posee una suerte de pureza redentora. Jaime Osorio Márquez transita de nuevo por ese camino pavimentado de buenas intenciones estéticas y callejones sin salida con una propuesta que rehúye por completo el vértigo para instalarse en una solemnidad tan monolítica como inofensiva. Lejos de proponer una mirada verdaderamente renovadora sobre el territorio cerrado, el director consolida aquí una querencia enfermiza por los universos claustrofóbicos que ya no huele a riesgo cinematográfico, sino a un ejercicio de estilo académico, previsiblemente autocomplaciente y desprovisto de auténtica sangre. La coartada de la inocencia infantil se despliega a lo largo del metraje como un escudo protector infranqueable para evitar cualquier cuestionamiento real de sus premisas dramáticas más endebles.

El problema fundamental que carcome a la película desde sus primeros compases radica en la asceptización sistemática del conflicto a través de los ojos de sus protagonistas más jóvenes, un recurso que no busca la empatía genuina con el espectador sino la legitimación moral de un relato que se complace mórbidamente en su propia miseria impostada. Asistimos a una coreografía perpetua de silencios prolongados y miradas vacías que pretenden acumular tensión acumulativa escena tras escena, pero que únicamente logran distanciar a la platea mediante una fría e inaccesible puesta en escena de cartón piedra. Es un cine que manifiesta un pánico cerval ante el caos impredecible de la vida real y prefiere encerrarse voluntariamente en su propia arquitectura de museo, donde cada plano milimétricamente calculado funciona como un recordatorio constante e insoportable de que estamos ante una obra que se mira coquetamente al ombligo sin importarle lo más mínimo quién esté sentado al otro lado de la pantalla.

La rigidez formal como dogma de fe inquebrantable

La dirección de actores oscila perpetuamente y sin rumbo fijo entre la contención expresiva más estricta y el hieratismo absoluto, obligando a un elenco talentoso a transitar por secuencias donde la palabra sobra por completo pero el gesto tampoco acierta a llenarlo todo de significado dramático. Claudio Cataño y Alejandro Buitrago despliegan una presencia física notable en pantalla que choca frontalmente, de manera casi trágica, contra la inanidad de unas motivaciones psicológicas apenas esbozadas de pasada en un libreto firmado por el propio realizador que confunde la sequedad con el misterio. La cámara de Matías Nicolás persigue a los personajes por los espacios naturales con una insistencia geométrica tan acusada que termina agotando cualquier atisbo de espontaneidad interpretativa, transformando los majestuosos parajes naturales en un decorado aséptico donde nada puede mancharse jamás de barro auténtico ni sudor de verdad.

El peso insoportable de la música y la vacuidad narrativa

El diseño sonoro y las composiciones musicales firmadas por Camilo Sanabria operan durante todo el metraje como un martillo neumático emocional que nos avisa de forma machacona y evidente en qué momento exacto debemos sentir angustia existencial o melancolía abstracta. Esta absoluta falta de confianza en la inteligencia del espectador anula por completo cualquier atisbo de suspense genuino y reduce el pretendido misterio a una interminable acumulación de estampas lúgubres que se suceden sin verdadera necesidad interna ni progresión dramática que las justifique. La producción respaldada por Rhayuela Films evidencia músculo financiero y una factura técnica pulida hasta el aburrimiento, pero carece por completo del pulso visceral necesario para convertir la tragedia rural en algo más que una postal turística diseñada exclusivamente para contentar a los comités de selección de los festivales europeos más desconectados de la realidad popular.

Lo mejor

• Presencia actoral: El encomiable compromiso físico de Claudio Cataño y Alejandro Buitrago al intentar sostener la gravedad de sus personajes contra viento y marea.
• Dirección de fotografía: El metódico trabajo de Matías Nicolás al componer encuadres de impecable simetría y factura formal indiscutible.

Lo peor

• Solemnidad impostada: La incapacidad absoluta para conectar emocionalmente con el espectador debido a un tono general excesivamente hermético y frío.
• Instrumentalización infantil: El uso cínico y manipulador de la perspectiva de los menores convertida en una coartada moral para justificar el tedio.
• Escasez de riesgo: Un guion plano que repite fórmulas ya transitadas hasta la saciedad sin aportar una sola idea verdaderamente renovadora al género.

El Veredicto de Claqueta Ácida

El despertar confirma con dolorosa evidencia que el preciosismo formal, cuando se vacía por completo de urgencia narrativa y de verdad humana, se convierte de manera inevitable en un mausoleo de prestigiosa insignificancia. Jaime Osorio Márquez construye un objeto de escaparate tan pulido como estéril, una postal lúgubre que confunde la contención con el vacío absoluto y el rigor cinematográfico con la más pura modorra. El espectador sale de la sala de proyección con la desconcertante y amarga sensación de haber asistido a un funeral solemne oficiado por burócratas de la melancolía que olvidaron por completo enterrar el cadáver 💀.

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⚔️ Duelo Editorial: Segunda Opinión Nota de Dante Sangre: 7,9/10

Otra firma de la redacción puntúa la misma película. La nota de la crítica es la de arriba.

La réplica de Dante Sangre (Bisturí de Blockbusters)

En desacuerdo frontal con la valoración emitida por Odin Lagbert.

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Siete punto nueve. Y punto. Lagbert berrea desde su cómodo sillón. Dice que hay demasiada solemnidad. Idiota. Esta selva no perdona. Osorio filma barro real. No cartón piedra. Los niños aquí no recitan poesía. Muerden el polvo. Sangran de verdad. En *Depredador* la selva era un parque temático para tíos cachas. Aquí asfixia. Huele a humedad y muerte. Osorio no busca coartadas morales. Construye una trampa mortal sin salida. Silencios cortantes como cuchillos herrumbrosos. Cada plano pesa toneladas. No hay plástico digital. Hay miedo puro. Esa miseria que tanto asusta al crítico de salón es nuestra única verdad. Esto no es ningún ejercicio académico inofensivo. Es una ejecución a sangre fría. Cine áspero. Sin anestesia. Respeto absoluto para este cadáver corporativo que se niega a morir. Trágate tu nota mediocre, Lagbert.

”