Splinter — Bichos, sudor y gasolina barata

Crítica de Splinter

Hay películas que nacen con una deuda contraída con el espectador antes de que se apague la primera luz de la sala. Splinter es una de esas. Llegó en 2008 sin hacer ruido, sin campaña de marketing, sin pretensión alguna de cambiar el género de terror. Y eso, en una época donde el remake de Dawn of the Dead ya había demostrado que los zombies rápidos podían ser negocio, era casi una declaración de principios. Toby Wilkins venía del mundo de los efectos visuales y del cortometraje, y aquí le dieron ochenta y dos minutos y cuatro actores para demostrar si sabía contar una historia o solo poner bonitos los cadáveres. El resultado es un combate desigual donde el cineasta gana por puntos, no por KO, pero se mantiene en pie cuando muchos otros habrían besado la lona en el primer asalto.

El contexto industrial es el de siempre: productoras pequeñas como Indion Entertainment Group y ContentFilm International juntando las pocas monedas que tenían en el bolsillo para financiar un creature feature de carretera. El guion de Kai Barry no inventa absolutamente nada. Una pareja, un delincuente fugado, una gasolinera aislada y un parásito que convierte a sus víctimas en criaturas con pinchos. Es La Cosa de Carpenter rebajada con agua de gasolinera de barrio, y lo sabe. No hay metafísica, no hay subtexto político, no hay alegoría sobre el miedo al otro. Hay un bicho, hay gente que quiere no morirse y hay una estación de servicio que huele a gasolina y a pánico. Y a veces, solo a veces, eso basta.

Lo que me sorprende de Splinter es que Wilkins entiende algo que muchos directores de terror con diez veces su presupuesto no entienden: el miedo vive en lo que no enseñas. El parásito se insinúa más que se muestra durante buena parte del metraje. Vemos los efectos de su paso —cuerpos retorcidos, extremidades que se mueven en direcciones que Dios no aprobó— pero la criatura en sí misma se reserva para los momentos donde el impacto necesita ser físico, no psicológico. Es una decisión inteligente que delata la formación de Wilkins en efectos visuales: sabe lo que cuesta cada plano con criatura y no los malgasta. Cuando finalmente enseña la bestia en todo su esplendor cutre, el efecto es de carcajada contenida más que de terror genuino, pero al menos ha ganado el derecho a esa carcajada.

La recepción del film refleja exactamente lo que es: una película correcta que no ofende ni enamora. Y ahí es donde yo levanto la mano y digo: vale, merece algo de amor, pero no me pidáis que le declare mi amor eterno.

Dirección y puesta en escena

Toby Wilkins dirige como alguien que ha visto demasiadas películas de Larry Cohen y John Carpenter y ha decidido que él también quiere jugar. La limitación de localizaciones —básicamente un coche, una gasolinera y los alrededores— la convierte en una película de espacio reducido donde la tensión depende de la geometría: quién está dónde, qué puerta está cerrada, qué ventana es la salida. Wilkins maneja esa geometría con un pulso que no es brillante pero sí competente, y en el terror de bajo presupuesto la competencia ya es media victoria.

Hay un plano que se me quedó grabado: la primera vez que vemos al brazo de un infectado moviéndose por voluntad propia, retorciéndose como si tuviera vida propia, los huesos crujiendo bajo la piel. Es un momento de body horror efectivo que recuerda a Cronenberg en su versión más barata, y Wilkins lo sostiene el tiempo justo para que te revuelva el estómago sin que te dé tiempo a reírte de lo cutre. Ese equilibrio es difícil de mantener y lo mantiene durante casi todo el metraje. Casi.

El problema llega cuando el guion de Kai Barry decide que necesita explicar cosas. Hay momentos donde los personajes empiezan a deducir la biología del parásito con una precisión que haría sonreír a un microbiólogo, y ahí la película pierde fuelle. El terror funciona mejor cuando es instinto, no cuando es teoría. Cada vez que alguien abre la boca para decir "el parásito responde a la temperatura" o algo similar, la suspensión de la incredulidad se tambalea como un boxeador que ha recibido un gancho en la mandíbula.

Reparto y actuaciones

Aquí es donde Splinter saca pecho de manera inesperada. Shea Whigham, años antes de que Boardwalk Empire lo consagrara como uno de los mejores actores de carácter de su generación, carga con esta película sobre sus espaldas. Su Dennis Farell es un ex-convicto que podría haber sido un cliché andante —tatuajes, mala leche, corazón blando escondido— pero Whigham le da una textura que el guion no se ha ganado. Hay un momento donde mira a través del cristal de la gasolinera y ves a un hombre que ha pasado años encerrado y ahora se enfrenta a algo peor que la cárcel. Es un plano silencioso, sin diálogo, y es lo mejor de la película.

Paulo Costanzo y Jill Wagner como la pareja de recién casados cumplen sin destacar. Costanzo tiene la ingrata tarea de hacer de nerd biólogo que explica la trama, y lo hace con la dignidad de quien sabe que su personaje es un dispositivo narrativo con piernas. Wagner tiene más presencia física y maneja bien los momentos de acción, pero el guion no le da mucho más que gritar y correr. Charles Baker, que luego sería Skinny Pete en Breaking Bad, aparece brevemente como Blake Sherman Jr. y deja una impresión de inquietud que se agradece. Rachel Kerbs como Lacey tiene el papel más ingrato: la novia del delincuente que existe principalmente para que haya alguien más a quien asustar.

Apartado técnico

La fotografía de Nelson Cragg es de manual del terror de bajo presupuesto: tonos fríos, verdes enfermizos, oscuridad que esconde más por presupuesto que por elección estética. Pero dentro de esa limitación, Cragg encuentra momentos de belleza sucia. La gasolinera de noche, con sus luces fluorescentes parpadeando, es un espacio que transmite aislamiento y amenaza sin necesidad de que nadie diga una palabra. El diseño de producción, lo que hay de él, funciona porque no intenta ser lo que no es: una gasolinera de carretera de las de verdad, sucia, abandonada, con el baño que nadie quiere usar.

La banda sonora de Elia Cmiral es un punto fuerte inesperado. Cmiral, que ya había trabajado en terror con películas como They, entiende que el sonido es la mitad del susto. Su partitura no es memorable como música independiente, pero como textura atmosférica cumple su función: inquieta sin abrumar, subraya sin gritar. El diseño de sonido en general es sólido, especialmente los crujidos y chasquidos de los cuerpos infectados, que tienen una cualidad orgánica que hace que te retuerzas en la butaca.

El montaje es donde Splinter muestra sus costuras con menos pudor. Hay saltos de ritmo que se notan, transiciones que parecen parches, y un par de secuencias donde sientes que faltaba material o sobraba tiempo. Ochenta y dos minutos es una duración que debería ser obligatoria para muchas películas de terror, pero aquí da la sensación de que Wilkins tuvo que comprimir más de lo que quería en algunos tramos.

Lo mejor

• Shea Whigham: Un actor que hace que un personaje de tres líneas de guion parezca tener una novela detrás. Carga la película con la mandíbula apretada y la mirada de quien ha visto el infierno y no se impresiona.
• El body horror: Los efectos prácticos de los cuerpos infectados son cutres pero efectivos. Ese brazo retorciéndose por voluntad propia se queda contigo después de apagar la tele.
• La duración: 82 minutos sin grasa. En una época donde todo dura dos horas y media, esto es casi un acto de rebeldía.
• La banda sonora de Cmiral: Inquieta sin pisar el terreno del melodrama. Sabe quedarse en segundo plano cuando hace falta.

Lo peor

• El guion de Kai Barry: No inventa nada y cuando intenta explicar la biología del parásito, pierde toda credulidad. El terror necesita misterio, no clases de biología improvisadas.
• La criatura al descubierto: Cuando finalmente la enseña entera, el efecto práctico se ve como lo que es: un muñeco con pinchos. La imaginación era más efectiva.
• Los personajes secundarios: Rachel Kerbs y Laurel Whitsett hacen lo que pueden con personajes que son poco más que carne de parásito con diálogo.
• El montaje irregular: Saltos de ritmo que delatan las costuras del presupuesto y las prisas de la sala de montaje.

El Veredicto de Claqueta Ácida

Splinter es como ese combate de boxeo de categoría regional que ves un domingo sin nada mejor que hacer: no te cambia la vida, no lo recordarás en tres meses, pero mientras dura te mantiene mirando. Wilkins demuestra que sabe dónde poner la cámara y Whigham demuestra que sabe cargar una película entera con pura presencia. Pero el guion es perezoso, la criatura decepciona cuando se enseña y el conjunto huele a lo que es: una película de terror correcta hecha con poco dinero y mucha voluntad. Cumple su función de entretenimiento de domingo, pero se queda a tres asaltos de ser algo que merezca reverencia. Si te gustan los bichos y las gasolineras de carretera, dale una oportunidad. Si buscas el próximo Carpenter, sigue buscando. 💀

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